“我在新西兰生活了十年，又在纽约生活至今，全世界的美术馆我看了几千件的油画代表作，我去南极感受过，又到了北极……我再也不是像旧时文人的那种心态，我感到水墨远远不够，我把整个大自然里感动的东西作为一种信息储存了起来，然后进行表现，材料选择范围被放大，尺寸也放大，去表现自然的壮美，仿佛自然有一种呼唤，让人类去关照它……”——曹俊当王洽遇到纽曼——曹俊作品 〈千年一遇〉无问东西  郭熙的〈林泉高致〉写道：“盖身即山川而取之，则山水之意度见矣……欲夺其造化，则莫神于好，莫精于勤，莫大于饱游沃看，历历罗列于胸中，而目不见绢素，手不知笔墨，磊磊落落，杳杳漠漠，莫非吾画。”这部由其儿子郭思整理的郭熙画论笔记，详细而完备的阐述了中国画的意义所在，其内涵，其精神，包括对一位画家的身体力行的要求，单纯从艺术的角度来看，他建立的文人画标准，沿用至今。〈林泉高致〉也正是画家曹俊所奉行的典论。在中国接受教育，毕业时被分配的泰山工作，古人为了作画而畅游山川，饱览山林万象，而曹俊在数年间，因工作所需，览遍泰山，他记住了山石的结构和堆积的秩序，春夏秋冬林木的变换，这些仿佛是一个接口，使他通向了古代绘画的深远境地。泰山有座岱庙，岱庙里有历代文人的碑刻。曾无数次地曹俊在这里研习书法艺术，临摩碑贴，所有的绘画都可归于每一笔线条的涵养，而中国的汉字正是最抽象而直接的线条的艺术，每一笔线条的扭转、起势、停顿与延伸，与书写者本人的情志合二为一，在实用功能之上成就为一种艺术的状态。从书法研习而来的绘画功底，使艺术家曹俊在作品的每一处细节，自然而然的携着着传统中国绘画的美感：它很放松，尽可能地像自然本身所呈现的那样——以平淡和单纯的气息呈现，又无法掩饰地洋溢着画家本人的激情，飞流的瀑布，无穷变幻与弥漫的雾岚以巨大的体态在山间环绕，那是自然的手笔，看他的画作不禁让人感到人类的渺小——宇宙永恒，表现这种永恒，并与它合而为一，是人类的一种荣光。〈千年一遇〉于2018年创作而成，以三联画的形式呈现，他既可以是中国的山水画，也可以是西方的风景画，这幅作品集传统的“散点透视”与西方的“聚焦透视”于一身。在传承传统文人画的气韵之下，兼具西方素描的光影明暗变化，使整体作品气韵生动，虚实相生。山体具有厚重的体积感，与翻滚浮动的云雾交错，云烟雾谒变幻之间，动静相续，生生不息。它仿佛从古典而来，在那个源头既是文艺复兴前圣经绘画中的幽深的风景，又有郭熙、巨然的山石的皴法和浑然的气象。融景造境，似是而非，一气呵成……从王洽到纽曼王洽，逝世于公元805年，晚唐著名画家，据载其擅画松石山水，号称“王泼墨”。〈宣和画谱〉中记载，“王洽不知何许人，善能泼墨成画，时人皆号为王泼墨”。王洽早年曾随郑虔学画，后来又师法项容”。水墨山水画自吴道子、王维始，再经过项容大胆用墨，发展到王洽的大泼墨，使画家的精神表现完全不再局囿于技巧，这对中国绘画史产生了深远的影响。泼墨发展到了张大千的笔下，融泼墨与泼彩为一体。上个世纪50年代，张大千晚年纵情于泼墨技法，由泼墨进而发展成为泼彩，以〈桃源图〉为例，泼彩占据了大幅的画面，使传统文人画的表现主体彻底变了。而后的赵无极其摄人心魄的美感，类似于“泼墨”的表现手法，由形式升华为主体，它是中国的气象，又是西方艺术中从未有过的“抽象语言”……从古人的泼墨发展至今，可以看到东西方艺术的一个交汇。〈千年一遇〉这幅作品，由泼墨渡过至泼彩，画家自述他的泼彩来自于极光的影响，在极光下山脉变得朦胧，似真似无，为表现这一景象，采用的材料也由墨，到了矿物颜料，他拓展了材料的运用，有时加些矿物颗粒，有时加些云母，表现在画面上有的色彩凝重，有的飘渺轻盈。曹俊的泼彩更是一种写真，每一笔都言之有物，饱含着写真的激情。通过他富有创意的写真，画面的结构与细节雕琢，自然景观与精神趣味在这里融合。在作品的右联中，山岚的气象以泼墨的方式呈现，环绕于山中，于左联的高山流水渡过到了右联的山，並与山中之岚共舞，交融而生。飞流叠石，岩石的纹理，流水清波，层出不穷的细节，使观看者眼睛所落之外皆能饱览。山石的轮廓苍苍茫茫，不仅有传统绘画的笔触——那些线条峻朗有致，还有西方绘画的点线面——形成体积感，在这里不得不惊叹于画家深厚的绘画功底。最有趣味的是中联，它被艺术家涂之于色彩，大胆利用的蓝色与褚石色，让整个作品气息为之一振，仿佛有意的作出一种宣告，它打破了画面的一种陈规。20世纪50年代和60年代的美国，以纽曼为首的色域绘画(Color Field Painting)，对当代艺术史产生了重要的影响，它沿续了波洛克为代表的抽象表现主义，也开启了极简艺术的思潮。纽曼说过，“一道痕迹划过大气层；我力求创造一个环绕着他的世界”。1948年一幅作品〈Onement I〉的完成，标志一种新的绘画风格的诞生，这是第一次有艺术家用这样的做法来定义作品的空间结构，将画面分割成几个平面结构的色域，看似简单的画面，实则非常复杂。线条的位置、粗细、肌理可以形成无数的可能，在构图上同时起到了分割和聚合的作用。纽曼希望观众可以感受到一种“崇高”的视觉体验，並且与绘画产生关系，意识到自己的存在。 “对于一个真正的艺术家来说，就在于能不能营造空间感，伟大的作品能带给你空间感，这是人类精神维度的基石。”曹俊在美国生活期间，明显受到色域绘画的影响，在曹俊看来这恰恰是一种自由的感觉，这种绘画，它高级到只给出几个结构的界定，其间无数的想像，无数的自由，其精神尺度大到人可以忽略到自己的主观，因为对宇宙而言，自人类诞生以来的浩瀚文化，不过是宇宙的沧海一栗，色域绘画的巧妙在于它只给出界定，人类仿佛在宇宙中迷失的孩子，需要先得出某一个界定再来认识自己，在这种哲学下，在画面上画出什么具体的东西都不是焦点所在。曹俊惊叹于这种艺术的诞生，借且于色域艺术的观念，他把宇宙这种尺度和视角表现在了绘画创作中。也正因为这份精神特质，王洽与纽曼，穿越千年，在此一遇。我的名字叫蓝2007年诺贝尔文学奖颁给了一本著作〈我的名字叫红〉，由一位作家再一次给颜色注入了文化学的意义。而之前，伊夫克莱因，创造了“克莱因蓝”，伊夫克莱因赋予它强大的文化标识，蓝色本身象征着天空和海洋，象征没有界限，又因为“克莱因蓝”太过纯净，以至于很难找到可与之搭配的色彩同时进入人们的视野，因此它的冲击力格外强烈。这种蓝被誉为一种理想之蓝、绝对之蓝，其明净空旷往往使人迷失其中。克莱因通过绘画和行为艺术，创造了一种“单色艺术——不用解释，也无需语言，就能让心灵感知的艺术”，在其后几位著名的艺术家，比如德国画家李希特，都可以找到受其影响的作品。古典绘画中的蓝色颜料，需要蓝宝石的粉末，由此他非常贵重，比如伦勃朗的绘画中，他往往只在重要的细节上涂上蓝色，记载在伦勃朗时期，凡有大块蓝色的画作比较少使用蓝色的画作要贵。2019年9月加拿大颜彩公司Rockwell art supplies以曹俊名字命名的宝石级纯矿物蓝料“曹俊蓝”——#518 CAOJUN ULTRAMARINE 全球发售。Rockwell art supplies，在全球选择了12位优秀艺术家来命名颜色，亚裔艺术家选择了曹俊。曹俊的绘画取自于中国画的蓝色颜料，以纸墨为媒介，为了增强色彩的饱合度，在局部的颜料里加了矿物质粉末。不同于克莱因蓝的迷眩与伦勃朗油画的蓝，曹俊的蓝是基于中国画颜料的特质，它澄清、富有流动感，它能够充份地渗入纸上，可达到接近透明的效果，在有些作品中蓝色甚至像一层纱一样，飘飘渺渺地覆盖在山峰间。曹俊的蓝含蓄，变幻万千，赋予了流动感。重建一种当代文人画这里不得不提及透纳，约瑟夫•马洛德•威廉•透纳（Joseph Mallord William Turner），英国最为著名、技艺最为精湛的艺术家之一，19世纪上半叶英国学院派画家的代表，透纳善于描绘光与空气的微妙关系而闻名于世，尤其对水气弥漫的表现有独到之处。透纳的水彩画更是具有着典范的地位。在欧洲艺术史上，透纳有两个贡献，一是把风景画与历史画、肖像画摆到了同等的地位，二是，使水彩画也成为一种主要的绘画形式。从透纳的作品中，曹俊学习到了如何用水彩和水粉，在纸上层层染出立体的效果，使纸上的色彩不是平面式的呈现，而是有着空间感，同时它又是流动的。透纳的风景画基于对素描和色彩技艺的学习，中国的青绿山水画又是另外一个体系，曹俊用他的理解和技法融汇二者，在传统的绘画布局上融入了是似而非的色彩运用，使这幅作品有传统文人画的相识，又有新鲜的气质。在此之前，甚至至今，在西方的架上绘画体系中，纸上作品一直据于次要的地位，油画占据了主流，纸上作品被习惯的认为是油画创作之前的“打稿”，也是油画比纸上作品价值更高的原因之一。最难能可贵的是，曹俊坚持画在纸上，用毛笔和中国颜料做画，甚至他完好的保留了在画面上提字，完全传承了中国画的形式，也表现在〈千年一遇〉这幅三联水墨画中，在全球绘画的语境中，他尝试创建一种中国文人画的当代位置。蓝色的运用，是他的识别之一。他用中国画的蓝色，调配以少量的矿物粉，时而渗杂运用蓝色植物颜料，使他笔下的蓝色，不仅仅是一种色彩，而是融合抽象与具象，象征宇宙的气象和精神的气质，在这里画家的主观与客观自然，完全的贴近，直至完全的相溶于虚无。在这幅传统的水墨画作里，有西方表现主义之形，却以中国传统的绘画理论一以贯之，所有的表现都是内在的发生，外在的呈现，这里有思考，也有直觉，不夸张，也不叛逆，他只是默默的探索，精致的表达，延续中国文化对天与人的看法，用西方的哲学扩大自己的尺度。 题识：千年一遇。晚唐王洽以泼墨之法状大唐盛境，时至今日历千年有余。而今吾泱泱华夏再现昔日引领世界之雄风焉。海内外炎黄子孙，皆庆幸生逢其时也。作此图以记之。二〇一八年冬月画楼主人曹俊。钤印：「曹俊」、「澄怀观化」